Для чего нужна синхронность в танце
Выработка синхронности при постановки танца у дошкольников любого возраста (из опыта работы)
Оксана Остапенко
Выработка синхронности при постановки танца у дошкольников любого возраста (из опыта работы)
Проведение утренников предполагает постановку танца. Танец несомненно украшает любое мероприятие. Хореографией я занималась с 7 лет. Затем работала педагогом дополнительного образования более 10 лет т. е. прошла путь от исполнителя до преподавателя. За эти годы путем проб и ошибок выработала свою тактику в обучении, которой хочу поделиться сегодня с вами.
Основой любого танца является синхронность. Как ее добиться да еще и за короткий срок, ведь в детских садах мероприятия проходят каждый месяц?
Надеюсь мои советы пригодятся вам в вашей работе!
Музейная педагогика для дошкольников (из опыта работы) В современном мире проблема социального развития подрастающего поколения становится одной из актуальных. Родители и педагоги как никогда.
Экологическое воспитание дошкольников (из опыта работы) «Экологическое воспитание дошкольников» (из опыта работы) Не рвите цветов, ведь они увядают. Не трогайте птиц, ведь они погибают. Сердцем.
Использование проектного метода при взаимодействии с семьями воспитанников в условиях реализации ФГОС (из опыта работы) Почему именно проектный метод становится ведущей формой работы с детьми и родителями? Проектная деятельность в соответствии с законом «Об.
Коллаж как средство формирования творчества детей дошкольного возраста при ознакомлении со сказкой (из опыта работы) Коллаж (наклеивание) – это такой прием в изобразительном искусстве, когда на основу наклеиваются материалы, отличающиеся от неё по цвету.
Система работы педагога ДОУ по формированию безопасного поведения дошкольников через ознакомление с ПДД (из опыта работы) Система работы педагога ДОУ по формированию безопасного поведения дошкольников через ознакомление с правилами дорожного движения (из опыта.
Обобщение опыта работы по развитию познавательных процессов у детей дошкольного возраста: на примере работы кружка «Знайка» Дошкольный возраст – это особый период в жизни ребенка, время интенсивного физического роста, развития нервной системы и всех основных функций.
Обобщение опыта работы по теме «Роль воспитателя ДОУ в организации преемственности работы при подготовке детей к школе» Обобщение опыта работы по теме «Роль воспитателя ДОУ в организации преемственности работы при подготовке детей к школе.» Актуальность.
Опыт работы «Воспитание патриотических чувств у дошкольников при ознакомлении родным городом» Введение Проблема патриотического воспитания подрастающего поколения сегодня одна из наиболее актуальных. Проблемы патриотического воспитания.
Система поэтапной работы по звукопроизношению с детьми при сложной дислалии (из опыта работы) ЦЕЛЬ Развитие и воспитание чистой, выразительно правильной речи у детей с ОНР 5-7лет. ЗАДАЧИ: *последовательно, поэтапно устранять нарушения.
Сохраним в себе ребенка. Весеннее развлечение (для дошкольников любого возраста). ВЕСЕННЕЕ РАЗВЛЕЧЕНИЕ ПОД МУЗЫКУ ДЕТИ ЗАХОДЯТ В МУЗЫКАЛЬНЫЙ ЗАЛ. ДЕТИ Пришла весна, весна – красна. Все пробудилось ото сна! Все оживает,.
Синхронность танца
Чтобы достичь взаимопонимания со зрителем на сцене, находиться в согласии со всем коллективом, необходима СИНХРОННОСТЬ ТАНЦА. Следует отметить, что добиться идеального совпадения движений у всех танцоров совсем не просто. Существуют тысячи способов добиться синхронности танца. Ниже рассмотрим самые эффективные и продуктивные.
Body control. 
Отработку синхронности стоит начать с техники «Body control», что в буквальном переводе означает контроль тела, где танцор научится управлять своим телом в полной объеме.
Понимание танцевального стиля- самый первый толчок к синхронности танца!
Урок музыки.
Синхронность танца в первую очередь находится в тесной связи от умения танцора слышать музыку, ее такт и ритм. Поэтому изучение и постановка танца должна начинаться с музыкальных занятий. Подробно разберите выбранную музыку, пропустите ее через себя, так вы сможете почувствовать её. Не следует гнаться за ней, именно музыка должна вас захватить!
Комбинации.
Разделите танец на отрезки, короткие связки оптимальной сложности. Разучивайте танец постепенно и не спеша, тщательно отрабатывая каждый элемент. Ведь только точное, техничное исполнение позволит создать на сцене синхронный зрелищный танец.
Ритмы.
Действенный прием, который советуют многие опытные хореографы для отработки синхронности — работа с танцем в разных ритмах. Запишите фонограмму в трех вариантах: в медленном, среднем и концертном, окончательном ритме. Начинайте разучивание с самого медленного варианта. Следует освоить элементы в самом комфортном ритме. Добившись автоматизма, продолжайте отрабатывать связки в более быстром ритме, постепенно соединяя все большее количество элементов. Попробуйте протанцевать весь танец в этом ритме.
Окончательный, концертный вариант фонограммы стоит предлагать уже на том этапе, когда танец закрепился в механической памяти танцоров. Посмотрите, получается ли у всех ребят попадать в ритм этой скорости. Если нет — поработайте с более короткими связками.
Работа в коллективе.
Еще одно важное умение, которое хореографу стоит развивать у своих учеников, если он хочет достичь синхронности движений, — это умение работать в коллективе. Существует большое количество специальных упражнений, которые помогают малышам учиться танцевать в парах, ориентироваться на других детей, понимать свое место в танце. В этом Вам помогут танцы-игры, упражнения на перестроение, а так же приемы и методы танцетерапии.
Видео- фотофиксация.
Еще один прием, который позволяет сделать танец идеально синхронным — это видео- и фотофиксация репетиции. Ведь на зафиксированном материале Вы сможете детально рассмотреть каждый момент танца, заметить все ошибки, понять, кто из ребят чувствует ритм, а кто не может попадать в него. Указав на эти ошибки, Вы сможете постепенно достигнуть совершенства. Фотофиксация же наглядно демонстрирует синхронность каждого момента, чтоб исправить ошибки.
Метроном.
Метроном- прибор, который музыканты использовали для четкого обозначения темпа музыки. Необходимо точно подобрать ритм, соответствующий музыке. Если ритм будет меняться на разных участках композиции, то соответственно подобрать свой ритм под каждый участок композиции Сейчас метроном можно скачать приложением на телефон.
Постановка синхронного танца в любом стиле- это большой труд, в который нужно вложить много сил, где любые средства хороши. Все элементы следует отрабатывать медленно, не торопясь, тогда танец обретет качества, а движения танцоров перестанут быть смазанными.
Методические приёмы развития синхронности исполнения танца. Юдина Надежда Владимировна
автор: Юдина Надежда Владимировна
преподаватель ДМШ им. С.М. Старикова при ТГМПИ им. С.В. Рахманинова
Методические приёмы развития синхронности исполнения танца.
Методические приёмы развития синхронности исполнения танца.
Юдина Надежда Владимировна
Танец это ритмичное, выразительное телодвижение, выстраиваемое в определённую композицию и исполняемое под музыкальное сопровождение. Как древнейший вид искусства, он является результатом коллективного творчества и возник из потребности человека посредством определённого стиля, пластического языка, координации, движений, приёмов соотношения с музыкой передавать другим людям своё настроение.
Развиваясь как вид танцевального искусства, танец постепенно становится зрелищным, заполняя сценическое пространство и приобретая черты профессионализации. В связи, с чем возникла потребность органического соединения выразительных средств танца (движений, музыки, костюма, сюжетной линии…) и согласованности, слаженности исполнения танца всеми участниками. Примерами для подражания и синхронного исполнения танцев нам служат такие профессиональные хореографические ансамбли как: ГААНТ им. И.А Моисеева (И.А Моисеев), ГАРНХ им. Пятницкого (Т.А Устиновой), ГААТ «Березка» (Н.С Надеждиной), КГААТ Сибири им. М.С. Годенко (М.С Годенко).
Э. Ж. Далькроз считал, что способность к последовательному воспроизведению движений во времени возможна только при восприятии движений в пространстве, что мышцы должны быть приучены к воспроизведению ритмического движения, чтобы ухо правильно воспринимало музыку, дающую импульс движению [2, с. 147].
Согласованность ансамблевого исполнения движений процесс очень сложный и длительный, отличающийся от процесса ансамблевого исполнения музыкантов — это высочайшее мастерство, достигающееся тщательной репетиционной работой. Где преподавателю – хореографу необходимо быть предельно внимательным к исполнителям. Нельзя допускать неточность, небрежность исполнения движений, т.к. в дальнейшем такие ошибки трудно будет исправить. Опыт работы показывает, что развитие синхронности у танцоров должно осуществляться двумя направлениями:
а) организация коллективной деятельности на практических занятиях;
б) индивидуальный подход к каждому учащемуся, для внутренней мотивации;
Придерживаясь этих двух направлений и используя в работе музыкальные знания, знания коммуникации и коммуникабельности, принцип постепенности, использование технического и дополнительного оборудования в репетиционных занятиях можно избежать многих ошибок, подняв уровень исполнительской культуры, технического мастерства танцующих.
Начинать учебную или репетиционную работу необходимо с подробного изучения музыкального материала:
Ведущие преподаватели школы-студии при Государственном академическом ансамбле народного танца имени Игоря Моисеева и заслуженные артисты РФ Г. Апанаева, В. Пак, Л. Аристова, С. Аникин на своих уроках используют метод последовательного изучения танца, по частям и связкам, от простого к сложному, с поэтапным тщательным разучиванием каждого элемента. Поначалу неуверенные неровные движения собираются в единую ровную линию танца — сложного, выразительного, эмоционально насыщенного и хореографически точного, затем превращаясь в сложнейший и яркий репертуар. [3].
Добиваясь синхронности исполнения, необходимо выработать у танцора умение работать в коллективе это способствует воспитанию творческой личности, удовлетворению потребности в общении, осуществлению обмена определённым опытом. Существует множество специальных упражнений, заданий и игр на выработку слаженности работы в группах, для развития навыков коммуникации и сплочению коллектива. Например, упражнение «Парная фигура». Где ученик, переместившись из общего круга шагами к выбранному партнёру, ничего не говоря, объясняет ему, какую фигуру хочет изобразить (круг, квадрат, полумесяц и т. д.). Затем они создают эту фигуру вместе. Это упражнение учит работать в паре, понимать партнёра без слов и использовать невербальные сигналы.
Используя на репетициях фото или видео съёмку, и фиксируя определённые моменты, позы, распределение по площадке, можно рассмотреть и проанализировать ошибки исполнения и недочёты. Обсудить с участниками, те моменты, на которые необходимо обратить внимание. В результате анализа технических приёмов исполнения формируются танцевальные навыки, тем самым продолжается совершенствование согласованности и синхронности исполнения.
Так как многие хореографы работают без концертмейстера и используют фонограммы, то использование метронома может помочь им в развитии синхронности исполнения. Метроном служит для проверки попадания в темп музыки, и в основном используется музыкантами как точный ориентир темпа при исполнении музыкального произведения на репетиции. Но продвинутые педагоги – хореографы также используют его в своей практике. Благодаря новым технологиям можно скачать метроном приложением на телефон или флэшку, выставив необходимый темп, музыкальный размер, или ритмический рисунок, при помощи чего можно проработать определённую связку или часть танца.
Помимо этого каждый участник хореографического ансамбля должен стремиться к высокому техничному исполнению, самосовершенствованию, а преподаватель должен направлять, обучать техническим приёмам и активизировать художественное мышление, только тогда запускается процесс согласованности и синхронизации исполнителей в танце. Добившись общей слаженности и ритмичности исполнения, любое простое движение будет выглядеть красиво, оказывая сильное и непосредственнее воздействие на зрителя [1].
Для чего нужна синхронность в танце
Хореография для детей – замечательный способ развития музыкального слуха, координации, гибкости. Вы сможете сформировать хорошую осанку, стать боле уверенными в себе, веселыми и открытыми. К тому же это беспроигрышный вариант: к занятиям хореографией нет противопоказаний.
Памятка танцора
1. Работай над своим телом. Постоянно. Тренируй баланс, координацию, силу, выносливость, легкость, пластику, растяжку, следи за осанкой и весом. Очень-очень трудно выглядеть хорошо в танце, если ты не выглядишь хорошо вне танца.
2. Уделяй как можно больше времени базе и технике. Без точной техники, всё что ты делаешь выглядит дилетантским.
3. Классный танцор — не тот, кто знает много хитрых фигур, а тот — кто выглядит круто на простых.
4. Всегда отрабатывай в полную силу — на занятиях, на практике, на концертах. Если танцуешь, не стараясь хоть что-то улучшить — ты не растешь.
5. Если готовишься к конкурсам, думай не только о том, получилось движение или нет, а о том, как ты выглядишь.
6. Делая только то, что дает преподаватель, ты обречен навсегда остаться хуже него. Придумывай, изобретай, учись на стороне.
7. Даже простой шаг — это движение от пяток до макушки. Если ты не можешь точно сказать, что при том или ином движении делает твой мизинец, скорее всего, он портит вид.
8. Не думай точками. Каждое движение — это непрерывный процесс, каждый момент которого одинаково важен.
9. Вспомни своего самого любимого танцора и посмотри его самое лучшее видео…знай, когда-то он танцевал хуже тебя.
10. Классных танцоров от просто хороших отличает наличие индивидуального стиля. Над стилем надо работать.
11. Неважно чего ты уже достиг — ты всегда можешь немного лучше. Уже через пару часов.
12. Невозможно достичь успеха в том, от чего не получаешь удовольствия.
Как справиться с волнением перед конкурсом
Зачастую в конкурсах принимают участие люди, имеющие примерно одинаковый уровень подготовки. А это значит, что решает судьбу конкурсов психологический момент. Особенно это характерно для детей. Но как сделать так, чтобы наши мысли и комплексы не мешали танцу? Есть несколько приемов, которые помогут вам настроиться на конкурс.
1. Нужно собрать наиболее подробную информацию о конкурсе. Желательно знать, кто будет в жюри, что ценят в танце эти люди. Также неплохо узнать о месте проведения соревнований, о количестве участников, о конкурсной программе и т. п. Один из лучших способов снять волнение — прийти на место, где конкурс будет проводиться за некоторое время до него. Соревноваться в незнакомом месте намного сложнее!
2. Нужно узнать, кто ваши соперники. Причем знать их непросто по именам. Желательно знать все их танцевальные достоинства и недостатки. Если есть такая возможность, можно побывать на конкурсах или просмотреть видеозаписи танцевальных турниров, в которых принимали участие ваши конкуренты. Это снимет страх неизвестности — вы сможете прогнозировать, какие результаты они покажут.
3. Нужно поставить конкретные цели. Перед тем, как заявить о своем участии в турнире, нужно определить для себя, каких результатов вы хотите добиться, участвуя в нем. Имея перед глазами конкретную цель, вы будете более уверенно чувствовать себя на танцевальной площадке.
4. Нужно смоделировать обстоятельства конкурса. Очень важно представлять себе все трудности, с которыми вы можете столкнуться на турнире. При этом нужно сразу решить, как вы будете на них реагировать, что вы будете делать, как вы их преодолеете. Это позволит вам не бояться неожиданностей, быть во всеоружии. Как справиться с волнением
5. Нужно получать удовольствие. Когда вы идете на танцевальный конкурс, нужно помнить, что в этом словосочетании первым словом все же является «танцевальный». Слово «конкурс» — только второе. Важно помнить, что и на конкурсе вы будете заниматься своим любимым делом — танцевать.
Следование этим простым правилам позволит вам на конкурсе не чувствовать волнения, а значит, психологический момент не позволит вам уступить равному по подготовке сопернику.
Импровизация
Танец — это экспрессия, выражение глубочайших чувств с помощью движений, которые сплетаются, дополняют друг друга и предстают перед зрителями в нужной форме. С его помощью каждый танцовщик проявляет свои эмоции, переживания, полностью раскрывает свой внутренний мир. Однако двигаться легко и непринужденно, на ходу подбирая нужные движения в такт музыке, могут не все. Именно поэтому рано или поздно танцовщики начинают учиться импровизации на сцене.
Что нужно сделать, чтобы научиться импровизировать?
Создайте настрой. Самое главное — ощущать себя комфортно, поэтому заранее продумайте, в какой одежде и обуви вам будет удобно танцевать. Немаловажное значение имеет и место для репетиций, оно должно быть достаточно большим, чтобы вы не чувствовали себя скованным, а мебель и прочие препятствия не должны мешать. Наличие зеркал — обязательно. Они помогут вам увидеть себя со стороны и понять, что смотрится в танце уместно, а что нет. Рекомендуется первые занятия проводить в одиночестве, это поможет вам чувствовать себя более раскрепощенно и сосредоточиться на танце, а не на зрителях. Но самое главное для удачной импровизации — это музыка. Она должна вам нравиться, вызывать желание танцевать. Не стоит останавливаться на одной композиции или музыкальном направлении, ищете что-то новое, пробуйте разные стили!
Работайте над техникой. Существует достаточно распространенное мнение, что новички, не овладевшие техникой танца до какого-то определенного уровня, не смогут импровизировать. Однако это суждение является ошибочным. Но еще большим заблуждением будет утверждение, что танцовщик сможет добиться успеха в танцевальном искусстве, не уделяя должного внимания хореографии. Для начала попробуйте поэкспериментировать с разными способами движения, причем используйте не только руки и ноги, не забывайте про бедра, плечи, колени, голову и т.д. Посмотрите, что у вас получается хорошо, запоминайте и используйте эти движения в дальнейшем. Не забывайте про музыку, отмечайте, какие движения идеально с ней сочетаются. После такой разминки попробуйте двигаться всем телом. Еще один хороший способ для улучшения техники — выполнять все движения очень медленно, как в замедленной съемке, думайте над позой и формой своего тела. Не продумывайте порядок своих движений, старайтесь перемещаться произвольно.
Больше эмоций. Импровизация требует максимальной отдачи. Вложите в танец искренность и эмоции, интенсивно двигайтесь, вращайтесь, танцуйте вместе с музыкой. Но интенсивность все же не означает скорость, медленное движение может передавать чувства танцовщика ничуть не хуже, чем быстрое. На этом этапе вам помогает вдохновение, поэтому черпайте его — смотрите, как танцуют другие, причем не только в том же направлении, в котором танцуете вы, но и обращайте внимание на другие стили, попробуйте себя в роли комбинатора. Например, можно взять несколько уроков танцев в других стилях, выделить для себя неожиданные элементы и попробовать использовать их. Любая школа танцев будет рада видеть столь заинтересованного танцовщика.
Практикуйтесь. Практика, практика и еще раз практика! Только упорно работая, можно достичь желаемых результатов.
Танец и положительные эмоции
Танец — это волшебный мир ярких эмоций и впечатлений. Для взрослых он может стать великолепным хобби, а для детей — и профессией в будущем, и смыслом жизни.
Танец помогает нам стать здоровыми, жизнерадостными, уверенными в себе, грациозными и красивыми независимо от возраста и хореографического опыта.
Польза танца очевидна.
Танец поднимает настроение.
Во время танца природная пластика, которой наделен каждый человек, дает способность к самовыражению. Это и создает ощущение радости. Даже при наличии значительных жизненных трудностей специалисты советуют двигаться под музыку и получать пользу от танцевальных движений, то есть «вытанцовывать свои проблемы».
Танец избавляет от негативных эмоций
Под веселую музыку происходит интенсивный выброс негативных эмоций в пространство, которые заменяются положительными. Наше подсознание запоминает исключительно положительные эмоции, которые потом будут сопутствовать нам долгий период времени.
Танцетерапия — так называется специальная система, которая помогает людям выйти из тяжелейших стрессовых ситуаций.
Танец положительно влияет на весь организм в целом
Когда мы занимаемся танцами, то улучшается состояние сердца и легких, укрепляются кости, повышается тонус мышц, вырабатывается четкая координация движений, телу придается гибкость и ловкость, появляется возможность управлять своим весом. Танец помогает обрести уверенность в себе, повысить самооценку. А все это не может не приносить радость человеку.
Таким образом, танец является уникальным способом оставаться в форме для людей любого возраста, социального статуса и любой комплекции. Поэтому если хотите поправить свое здоровье и поднять настроение и избавиться от негативных эмоций, то немедленно отправляйтесь в школу, где можно научиться танцевать. Занятие танцами имеет массу положительных сторон, а главное, танцы — это новые ощущения и впечатления!
Синхронность в танце
1) Синхронность танца находится в прямой зависимости от умения исполнителей слышать музыку, ее ритм. Поэтому педагог должен начинать работу над танцем с музыкальных занятий. Подробно разберите с малышами выбранную Вами музыку. Пускай они услышат, запомнят ее, попробуют самостоятельно подвигаться в ритме композиции.
2) Разделите танец на отрезки, короткие связки оптимальной сложности. Разучивать танец с малышами стоит постепенно, без особой спешки, но тщательно, отрабатывая каждый элемент. Ведь только точное, техничное исполнение всеми детьми движений позволит создать на сцене синхронный зрелищный танец.
Мимика
Неотъемлемой частью танца является мимика. Ведь именно выражение лица и эмоции помогают создать живой и законченный образ, который представлен в танце. Поэтому если вы танцуете с «каменным» или вообще «непонятным» выражением лица, то можно испортить даже самый лучший танец в мире. Значит, начиная обучение танцам, необходимо параллельно работать и над мимикой.
Но прежде всего запомните два правила:
Первое: нельзя заучить все лицевые выражения на все случаи жизни. Все созданные «маски» лишают мимику естественности.
Второе: никогда нельзя копировать «чужую» мимику. Нужно демонстрировать свои эмоции и чувства — грусть, нежность, страсть, ненависть и т. д. Поэтому главная задача — научиться управлять ими. А для этого необходимо раскрепостить лицевые мышцы.
Занятия по раскрепощению мышц проводят несколько раз в неделю (минимум 2–3 раза в неделю), и обязательно перед зеркалом. Для этого делают лицевой массаж и специальные упражнения.
Массаж делается в начале и в конце занятий. Каждое движение выполняется 5 раз.
1. Массируем лоб обеими руками. От центра лба делаем плавные зигзагообразные движения.
2. Массируем нос. Делаем такие же движения, начиная от кончика носа к обеим щекам.
3. Делаем плавные движения от подбородка в сторону обоих ушей.
4. Проводим по шее от подбородка вниз ямочкой между указательным и большим пальцами. Делаем такие движения поочередно обеими руками.
Упражнения для лица
Каждое упражнение выполняется от 5 до 8 раз. Обязательным условием, за которым необходимо следить, — двигаться должна только та часть лица, которой вы выполняете движение. Все остальные части должны быть неподвижными.
1. Нахмурьте лоб, как будто вы сердитесь. Проследите за губами — они должны оставаться неподвижными. Расслабьте мышцы.
2. Брови поднимите вверх — сделайте удивленное лицо. Опять следите за губами, чтобы они не двигались. Расслабьте мышцы.
3. Сморщите нос, сделав вид, как будто вам неприятно. Следите за тем, чтобы лоб оставался неподвижным. Расслабьте мышцы.
4. Улыбнитесь, не обнажая зубы. Следите за неподвижностью лба. Расслабьтесь.
5. Улыбнитесь как можно шире, обнажив зубы. Следите за неподвижностью лба. Расслабьтесь.
6. Нижнюю губу направьте на нижний ряд зубов. Неподвижными должны оставаться лоб, брови и верхняя губа.
7. То же упражнение проделайте с верхней губой.
8. Выдвиньте немного вперед нижнюю челюсть. Следите, чтобы лоб, брови и глаза оставались неподвижными. Расслабьтесь.
9. Губы сделайте трубочкой. Следите за неподвижностью лба. Расслабьтесь.
10. Сделайте круговые движения сделанными трубочкой губами. Следите за тем, чтобы лоб оставался неподвижным. Расслабьтесь.
11. По очереди подмигивайте левым и правым глазом. Следите за неподвижностью губ и лба. Расслабьте мышцы.
12. Следующее упражнение делайте очень аккуратно и медленно. Если появятся малейшие болезненные ощущения, прекратите его выполнение. Итак: откройте широко рот, опустив как можно ниже челюсть. Следите за тем, чтобы голова не опускалась вниз, а лоб и брови оставались неподвижными.
13. Откройте рот в стороны как можно шире. Следите за неподвижностью бровей, глаз и лба. Закройте рот и расслабьте мышцы.
14. По очереди в левую и в правую щеку делайте «уколы» языком. Расслабьте его.
15. Изнутри по щеке поводите языком. Расслабьте язык.
Теперь опять повторите массаж лица.
Выполняя эти упражнения, вы быстро научитесь отражать на лице эмоции и чувства, а танец в вашем исполнении будет просто великолепным!
Что такое «балетный класс»?
Что такое «балетный класс»? Часто говорят, что «балерины работают у станка до седьмого пота». Что это за станок такой? Как на нем танцевать? На самом деле, любой красивой вариации в балете предшествует ежедневный тренинг в балетном классе. Сам спектакль – это отчет о проделанной работе артиста балета. А ежедневная рутина – в зеркальном зале у станка. Katarzyna Mazurowska, Shutterstock.com Зал для занятий классическим балетом представляет собой помещение, облицованное зеркальными панелями, с дощатым полом и перекладинами у зеркал. Эти перекладины – не что иное, как пресловутые «станки». Это деревянный брус с металлическим шестом в центре. Станок может быть переносным, например, для показа элементов класса на открытых уроках, когда стенки выносят на сцену, но чаще всего станок жестко крепится к стене и полу. Брус идет на определенной высоте, чтобы рука, лежащая на станке, не задиралась сильно вверх, но и не приходилось нагибаться, чтобы достать до перекладины. Поэтому чаще всего у станка 2 перекладины – на любой рост. Идеальным покрытием для пола является доска. Для предотвращения пылеобразования и лучшего сцепления обуви с полом последний периодически в течение занятия опрыскивается водой.
Автор: Мария Дубовик
Растяжка
1. Не считайте растяжение разминкой. Вы можете навредить себе, если начнете растягивать холодные мышцы. Поэтому, прежде чем делать растяжку, сделайте разминку, занявшись ходьбой, бегом трусцой или ездой на велосипеде с низкой интенсивностью 5-10 минут. Или, еще лучше, растягивайтесь после упражнений, когда мышцы уже разогреты.
2. Не растягивайтесь до интенсивной деятельности, такой, например, как спринтерский бег и другие соревнования. Некоторые исследования показывают, что растяжка до интенсивной физической нагрузки может фактически снизить производительность.
3. Сосредоточьтесь на основных группах мышц. Когда вы растягиваетесь, сосредоточиться на икрах, бедрах, нижней части спины, шее и плечах. Также растягивайте мышцы и суставы, которые обычно используете в тренировке или спортивной игре. И убедитесь, что вы растягиваете обе стороны. Например, если вы растягиваете левое подколенное сухожилие, обязательно сделайте то же самое и с правым сухожилием.
4. Не заканчивайте растяжку резко. Это может стать причиной мелких разрывов в мышцах, что оставляет после себя рубцовую ткань, подтягивающую мышцы еще больше, что делает вас менее гибкими и более склонными испытывать боль. Таким образом, сохраняйте то или иное положение во время растяжки около 30 секунд. Повторите каждое движение три или четыре раза.
5. Не стремитесь к боли. Ожидайте почувствовать напряжение, когда растягиваетесь, а не боль. Если больно, значит, вы слишком далеко зашли. Вернитесь к точке, где вы не чувствуете никакой боли, удерживая растяжку.
6. Делайте растяжку регулярно. Растяжка может занять много времени. Но вы можете достичь больших преимуществ, растягиваясь регулярно, по крайней мере два-три раза в неделю. Если вы не растягиваитесь регулярно, рискуете потерять все преимущества растяжки.
Анна Павлова (историческая справка)
О подлинной жизни Анны Павловой известно мало. Она сама написала прекрасную книгу, но книга эта больше касалась трепетных и ярких секретов её искусства, в котором было много импровизации, чем самой её биографии.
Её муж и импресарио Виктор Дандре тоже написал о ней прекрасную и выразительную книгу, где трепетал отблеск живого чувства и боль сердца, ошеломлённого внезапной потерей дорогого и любимого существа. Но и эта книга — лишь малый штрих к тому загадочному, что было, сверкало, переливалось в Анне Павловой, что было самою её сутью, её дыханием, — Вдохновение, что жило во всей её творческой натуре!
Наверное, секрет отличия Павловой от других танцовщиц, блиставших на сцене до и после неё, крылся в неповторимой индивидуальности её характера.
Современники говорили, что, глядя на Павлову, они видели не танцы, а воплощение своей мечты о танцах. Она казалась воздушной и неземной, летая по сцене. В её речи сквозило нечто детское, чистое, не вяжущееся с реальной жизнью. Она щебетала, как птичка, вспыхивала, как дитя, легко плакала и смеялась, мгновенно переходя от одного к другому. Такой она была всегда: и в 15, и в 45.
Газеты посвящали ей пышные рецензии: «Павлова — это облако, парящее над землёй, Павлова — это пламя, вспыхивающее и затухающее, это осенний лист, гонимый порывом ледяного ветра…».
«Гибкая, грациозная, музыкальная, с полной жизни и огня мимикой, она превосходит всех своей удивительной воздушностью. Как быстро и пышно расцвёл этот яркий, разносторонний талант», — так восторженно отзывалась пресса о выступлениях Анны Павловой.
Одна из подруг и преданных последовательниц балерины, Наталья Владимировна Труханова позже вспоминала с искренней горечью: «Как мне всегда было жаль, что я не могла зарисовать её Танца! Это было что-то неповторимое. Она просто жила в нем, иначе не скажешь. Она была самой Душою Танца. Только вот вряд ли Душа выразима словами. »
Образ, который обессмертил балерину — это, конечно, Лебедь. Поначалу он не был умирающим. Балетмейстер и друг Михаил Фокин придумал для Анны концертный номер на музыку Сен-Санса буквально за несколько минут, импровизируя вместе с нею. Сначала «Лебедь» в невесомой пачке, отороченной пухом, просто плыл в безмятежности. Но затем Анна Павлова добавила в знаменитые 130 секунд танца трагедию безвременной гибели, — и номер превратился в шедевр, а на белоснежной пачке засияла «рана» — рубиновая брошь.
Когда Сен-Санс увидел Павлову, танцующую его «Лебедя», он добился встречи с ней, чтобы сказать: «Мадам, благодаря вам я понял, что написал прекрасную музыку!»
Небольшая хореографическая композиция «Умирающий лебедь» стала её коронным номером. Исполняла она его, по мнению современников, совершенно сверхъестественно. На сцену, огромную или маленькую, спускался луч прожектора и следовал за исполнительницей. Спиной к публике на пуантах появлялась фигурка, одетая в лебяжий пух.
Она металась в замысловатых зигзагах предсмертной агонии и не спускалась с пуантов до конца номера.
Силы её ослабевали, она отходила от жизни и покидала её в бессмертной позе, лирически изображающей обречённость, сдачу победителю — смерти.
Анна включала «Умирающего лебедя» во все свои программы, и кто бы ни были зрители — искушённые балетоманы или впервые увидевшие балет простые люди — этот номер в её исполнении всегда потрясал публику. Михаил Фокин писал, что «Лебедь» в исполнении Павловой был доказательством того, что танец может и должен не только радовать глаз, он должен проникать в душу. Её танец, импрессионистический по своей природе, был пластическим воплощением музыки, образный и поэтичный, танец Павловой был одухотворён и возвышен, и поэтому его нельзя было повторить и копировать. Секрет её успеха был не в исполнении па, а в эмоциональной наполненности и одухотворённости танца. «Секрет моей популярности — в искренности моего искусства», — не раз повторяла Павлова. И была права.
Анна Павлова боготворила искусство, любила его с такой страстью, с которой к нему, вероятно, способны были относиться лишь женщины «серебряного века». Ни один музей мира не остался без её внимания. Ренессанс казался ей самой прекрасной из эпох в истории культуры. Любимыми скульпторами Павловой были Микеланджело и Донателло, а любимыми художниками — Леонардо да Винчи, Боттичелли и Содома. И в балете её вкусы сложились под влиянием чистых линий искусства Возрождения. Все её партнёры обладали атлетическими фигурами, подобными фигуре «Давида» Микеланджело.
Однако, было бы неправильно думать, что великая Павлова была приверженцем исключительно петербургской школы классического балета и оттого отвергала новые искания Парижа и Монте-Карло. Нет, некоторые из её хореографических миниатюр: «Калифорнийский мак» с образом красных разлетающихся лепестков.
Она даже посетила школу Мэри Вигман в Дрездене, поборницы нового движения в танце. Между тем, Павлова любила повторять, что красота танца значила для неё всё, а уродство — ничего (и она категорически отвергала, все то, что казалось ей уродливым, и, в частности, некоторые пластические элементы новой хореографии). По её суждению, красота дарила людям счастье и приближала к совершенству.
Интересовалась Анна и авангардным притягательным танцем талантливой американки Айседоры Дункан, не раз приезжала к ней в студию, но сама продолжала неустанно пропагандировать неувядающее искусство русского классического балета везде, где только могла и где хоть чуть-чуть позволяли условия быта! Анна Павлова не просто несла людям своё любимое искусство, она прокладывала новые пути, по которым классический балет приходил в жизнь разных народов. Для гастролей Павлова выбирала такие страны, как Индия, Египет, Китай, была в Японии, Бирме, Малайе, на Кубе, Филиппинах, выступала перед зрителями, которые до неё никогда не видели балета. Танцовщица поставила перед собой цель доказать, что классический балет не является тем искусством, что доступен лишь немногим знатокам.
Самозабвенно выступала Павлова в школах маленьких американских городков в далёкой провинции, перед мексиканскими пастухами, жителями горных индийских деревушек. Мексиканцы бросали в знак восхищения к её ногам свои сомбреро, индусы осыпали её цветами лотоса, сдержанные шведы огромной молча провожали её карету до самой гостиницы, после выступления в Королевском оперном театре, голландцы столь любили её, что вывели особый сорт тюльпанов и назвали его «Анна Павлова».
При всей своей преданности искусству балета, Анна Павлова, безусловно, оставалась человеком своей эпохи. Как всякая красивая женщина, она любила мир моды, охотно фотографировалась и даже позировала в мехах известных домов моды Берлина и Парижа 1910-х и 1920-х годов. Так, в феврале 1926 года в Париже она позировала для обложки модного журнала «L’оfficiel» в панбархатном манто, отороченным соболями из дома «Дреколь».
В Англии она рекламировала туфли обувной фирмы «H.& M.Rayne», которые носила, по её словам, и на сцене, и в жизни. Стиль одежды «a la Pavlova» стал настолько популярен, что преподнёс миру моды атлас «Павлова», выпущенный в 1921 году. Именно Павлова ввела моду на драпированные в испанской манере расшитые манильские шали с кистями, которые она умела носить так изящно. Балерина любила и шляпки. Её придирчивость при покупке нарядов вошла в легенду. Бароном Дандре прекрасно описана привередливость примы в выборе каждой новой вещи.
Она придумала себе особый стиль одежды — многослойные тонкие покрывала, которыми обматывала тело.
Анна Павлова протежировала русским Домам моды в Париже: одним из её личных кутюрье был Пьер Питоев. Показательно, что программку выступлений труппы Павловой в парижском «Театре Елисейских полей» в мае 1928 года украшала реклама дома моды князя Феликса Юсупова — «ИРФЕ».
Искусство Павловой неотделимо от творчества замечательных театральных художников своего времени. В 1913 году по эскизам Бориса Анисфельда были выполнены сказочно прекрасные костюмы и декорации к балету Фокина «Прелюды» на музыку Листа. Константин Коровин создал для Павловой декорации к двум спектаклям. Это были «Снежинки» — фрагмент из первого акта «Щелкунчика» Чайковского, поставленный в её труппе как самостоятельный одноактный балет — и «Дон-Кихот», первый акт которого балерина танцевала во время своего американского турне 1925 года. Костюмы к «Менуэту», «Умирающему лебедю» и «Музыкальному моменту» были выполнены по эскизам Леона Бакста, а русский костюм Павловой — по рисунку талантливого Сергея Соломко, любимого художника Императора Николая II. Мстислав Добужинский был автором декораций и костюмов для её «Феи кукол». Впоследствии, правда, они были заменены оформлением Сергея Судейкина. Современники отмечали сценическое сходство «Феи кукол» из репертуара Павловой с поставленным у Дягилева «La Boutique Fantasque» («Причудливый магазинчик»), старинным венским балетом, который шёл на сценах многих европейских театров в начале ХХ века. Спектакль «Приглашение к танцу» был оформлен Николаем Бенуа (сыном Александра Бенуа). В 1917 году в репертуар Анны Павловой был включён «Египетский балет» в постановке Ивана Хлюстина на музыку Верди и Луиджини. Оформление к нему было создано Иваном Билибиным. Билибин оформил для труппы Павловой и постановку «Русской сказки» на сюжет «Золотого петушка» в хореографии Лаврентия Новикова.
Деятельность Анны Павловой выходит далеко за пределы её исполнительского творчества. Маршруты её путешествий, пересёкшие все континенты земли, были маршрутами, по которым русская хореографическая культура входила в жизнь народов разных стран. В лице Анны Павловой русская балетная школа получила мировую славу и признание.
А где больше всего хотела жить она, перелётная птица, странствующая балерина, до конца остававшаяся русской во всем? «Где-нибудь в России», — неизменно отвечала Павлова, но это её желание так и оставалось невозможной мечтой.
Её английский особняк Айви-Хаус «дом, увитый плющом», встречал гостей прудом с лебедями, среди которых был её любимец — белоснежный и гордый красавец Джек (он, словно собака, ходил за хозяйкой по саду, не боясь брать их рук лакомство).
С лебедями балерина любила фотографироваться. Известен её снимок, где фотограф обыграл действительное сходство — изгиб лебединой шеи и гибкость женской балетной фигуры.
Павлова, в отличие от других выдающихся балерин, не передала свой репертуар последовательницам и не потому, что не хотела сделать этого или потому, что у неё не было учениц — в Англии она организовала целую балетную школу и уделяла своим воспитанницам много внимания, и профессионального, и человеческого. её искусство, как точно отметил лучший балетный критик эмиграции Андрей Левинсон, «рождалось и умирало вместе с ней — чтобы танцевать, как Павлова, нужно было быть Павловой».
Её жизнь в танце можно было бы назвать подвигом. Так её потом и назвали. Но она вовсе не воспринимала её как подвиг. Она просто жила, словно готова была вечно танцевать вместе со своею труппой, обожавшей в ней все: стиль одежды, шляпы, туфли, поведение, срывы, капризы, походку, манеру говорить и смеяться и трогательно оберегавшей её, словно своего любимого звёздного ребёнка… Ребёнка. Она им и была, ребёнком, очарованным с детства балетом. Не собиралась умирать, для неё смерти не существовало, ведь она сумела остановить время в изящном беге по сцене, в медленном грациозном па своего неповторимого «Лебедя», в романтическом кружении прозрачной Сильфиды, в медленном танце грациозно — безумной Жизели. Даже уходя навсегда, в хмурое утро 23 января 1931 года, в жару и горячечном бреду неожиданной, и, казалось, пустячной инфлюэнцы, резко осложнившейся быстротечным воспалением лёгких, Анна готовилась к очередному выходу на сцену. По легенде, её последние тихие слова в бреду были обращены к костюмеру собравшейся у постели труппы: «Приготовьте мой костюм Лебедя!»
…Балет в отличие от литературы, живописи, музыки, искусство хрупкое, сиюминутное, существующее только «здесь и сейчас». Искусство Анны Павловой завораживало и увлекало. И время оказалось не властно над ним. Казалось бы, классический танец — пируэты, батманы, плие, па-де-буре — все хорошо известно, но гениальная Павлова могла выразить живое чувство, прихотливую смену настроений, игру фантазии при помощи балетных па. И сколько бы ни размышляли над секретами её исполнения, загадками и тайнами её искусства, они остаются неразгаданными.